31 grandes álbumes de 2023 hasta ahora (primer trimestre)

Jun 12, 2023

¡El primer trimestre de 2023 es un final! El clima se está volviendo más cálido, hay mucha más música genial para la primavera en camino, y también es un buen momento para ponerse al día con algo de la música genial que ya salió este año. Es demasiado temprano en el año para comenzar a clasificar las cosas, pero hemos elaborado una lista alfabética de 31 álbumes lanzados entre enero y marzo que recomendamos escuchar si aún no lo has hecho. Siga leyendo para conocer nuestras selecciones. ¿Cuáles son tus álbumes favoritos de 2023 hasta ahora?

Argel - ShookMatador

Después de tres álbumes de música de protesta que desafía el género, Argel ofrece su declaración más grandiosa hasta el momento con Shook. La banda, que se formó en 2012 por los músicos de Atlanta Franklin James Fisher, Ryan Mahan, Lee Tesche, y luego consolidó su formación de cuatro integrantes con el baterista original de Bloc Party, Matt Tong, optó por algo más colaborativo en Shook, incorporando vocalistas invitados. que van desde algunos de los líderes en el panorama del rap underground actual (billy woods, Backxwash) hasta Zack de la Rocha de Rage Against the Machine, el veterano del rap de Atlanta Big Rube y músicos independientes como Samuel T. Herring de Future Islands, Mark de The Make-Up Cisneros y Jae Matthews de Boy Harsher, junto con una variedad de otros. La amplia variedad de invitados tiene mucho sentido en Shook, un extenso álbum de 17 canciones que no se puede encasillar fácilmente en ningún estilo de música preexistente. Si tuviera que compararlo con algo, es un alma gemela con el clásico de War de 1972 The World Is A Ghetto. Al igual que ese álbum, tiene sus raíces en el soul psicodélico y letras con conciencia social y política, pero en lugar de incorporar rock y funk al estilo de los 70, incorpora punk y hip hop modernos. Los ritmos son eléctricos, los arreglos son impresionantes y el álbum está lleno de interpretaciones vocales genuinamente imponentes tanto de Algiers como de sus invitados. Están sucediendo muchas cosas en Shook, pero para resumirlo todo en una palabra: intenso.

Para obtener más información sobre este álbum, lea el desglose pista por pista de la banda.

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Billy Nomates - CACTIInvadir

Como Billy Nomates, Tor Maries hizo uno de los debuts más sorprendentes de 2020, transformándose de artista folk-pop en una original descarada que no tenía miedo de decir lo que pensaba y desafió el encasillamiento fácil. Ayudó que encontró mentores en Sleaford Mods y Geoff Barrow (Portishead, Beak>) quienes la alentaron a encontrar su propia voz. Sin embargo, ha sido difícil relanzar una carrera justo cuando el mundo se apaga, y todos los miedos, las dudas y la ira que han surgido en los últimos tres años se reflejan en su excelente segundo álbum. Todavía suena como nadie más. Con su voz cálida y su forma de melodía y armonía, estas canciones suenan como si pudieran haber sido éxitos vibrantes de la nueva ola de Juice Newton o Kim Carnes en 1980, o éxitos de pop-country en los años 90, excepto la producción DIY de Tor. y los arreglos, llenos de extraños sintetizadores y piedras de toque post-punk, los empujan en otras direcciones. "Saboteur Forcefield" le debe tanto a New Order como a New Nashville, y la canción principal de CACTI es como Reba McEntire al frente de Depeche Mode en la era de Violator. La voz y la personalidad de Maries lo llevan todo, haciendo que todo suene tan natural como las canciones diseñadas para debutar en el #1.

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Boygenius - The Record Interscope

Cuando Phoebe Bridgers, Julien Baker y Lucy Dacus se unieron por primera vez como Boygenius, originalmente solo tenían la intención de hacer un 7 "para venderlo juntos en su gira de 2018. Una vez que comenzaron a escribir, salieron con un más largo, ahora- amado EP, y en los años siguientes, el trío continuó apareciendo juntos en canciones, incluidas pistas del álbum de 2020 de Hayley Williams, Petals For Armor, el álbum de Phoebe de 2020, Punisher, el álbum de Julien de 2021, Little Oblivions, y el álbum de Lucy de 2021, Home Video. Ahora sabemos que una semana después de que saliera Punisher, Phoebe envió a Julien y Lucy un demo y les preguntó si el trío podía volver a ser una banda. Ese demo era de "Emily I'm Sorry", una de las 12 pistas que componen Boygenius. "El primer álbum de larga duración, The Record, ahora disponible a través de su nuevo sello principal, Interscope Records. El trío ha demostrado tener una química tan natural a lo largo de los años, y eso continúa durante la totalidad de The Record. La voz distintiva de cada miembro y El estilo de composición brilla en varios puntos, y el disco siempre se lleva a otro nivel cuando los tres armonizan juntos. El disco está repleto del tipo de canciones folk indie magníficamente íntimas que estos tres tienen la reputación de hacer, pero también tiene canciones de rock duro como "Satanist", "Anti-Curse" y "$20", la última de que es una rara canción de Boygenius con gritos. Y luego está "Not Strong Enough", que no solo recuerda a "Strong Enough" de Sheryl Crow; también es una canción de folk rock tintineante que suena como si hubiera sido un éxito para Crow en los años 90 o principios de los 2000. Es un disco sutilmente diverso, y cuanto más escuchas, más canciones nuevas se destacan como aspectos destacados potenciales. Está lleno de ingeniosos giros de frase, sorpresas melódicas, tantas referencias a la cultura pop como sus recientes sesiones de fotos (incluidas canciones tituladas "Leonard Cohen" y "Revolution 0"), y todo el lirismo conversacional pero devastador que esperarías de estos tres.

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Caroline Polachek - Deseo, quiero convertirme en tiSony/The Orchard/Perpetual Novice

Desde el M83-ish "Welcome To My Island" (que abre el álbum) a los ritmos caribeños de "Bunny Is A Rider" al flamenco-pop de "Sunset" a la gaita celta en "Blood and Butter" a la tartamudez producción y las voces del coro de "Billions", quedó claro solo por los sencillos que Desire tiene mucho rango y el resto del álbum sigue su ejemplo. Una sección hacia el final del álbum abarca sin problemas desde el pop ambiental ("Hopedrunk Everasking") hasta el folk-pop ("Butterfly Net") y el trip-hop ("Smoke") sin perder el ritmo. Una canción ("Fly To You") fusiona breakbeats con guitarra popular y cuenta con voces invitadas de Grimes y Dido, dos artistas que ayudaron a allanar el camino para la música de Caroline de maneras completamente diferentes. "La forma [de Dido] de combinar un enfoque bastante natural, casi folk, del canto pop con una producción electrónica muy contemporánea fue muy influyente para mí", dijo Caroline en un artículo reciente de Vulture. La mezcla de instrumentación acústica y electrónica de Caroline también le ha valido a Desire múltiples comparaciones con Ray of Light de Madonna, mientras que sus impresionantes voces de los que odian dirán que es autoafinado obtienen sus comparaciones que van desde Björk hasta Enya e Imogen Heap. Todos son antepasados ​​​​aparentemente precisos, y son tentadoras las comparaciones cuando escuchas a alguien usar su voz tan creativamente como lo hace Caroline, pero más que cualquier similitud musical, Caroline se menciona al mismo tiempo que esos y otros límites. -empujando a los artistas por la forma en que hace música pop completamente en sus propios términos. Leer más aquí.

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VIERNES DE DEBBY - BUENA SUERTEpop secundario

Después de una década como parte de la escena musical underground de Canadá, habiendo pasado un tiempo en Montreal, Vancouver y ahora Toronto, la artista nacida en Nigeria DEBBY FRIDAY se destaca en su debut de larga duración. Al igual que en sus EPs Bitchpunk y Death Drive, DEBBY desafía la categorización fácil, mezclando rap, electro, post-punk, industrial, techno y más en una mezcla defectuosa, magullada y triturada que es ardiente, magnética y propia. Trabajando con Graham Walsh de Holy Fuck (que se encuentra más abajo en esta misma columna con Noble Rot), GOOD LUCK está cargado de gran dramatismo, luz y calor, ruido y belleza, y un puñado de mermeladas asesinas. Entre ellos: "So Hard to Tell", una balada que recuerda a los canadienses Purity Ring; quemador de techno "I Got It" con Unas; y otro destripador de cuatro en el piso, "Hot Love", que realmente cobra vida cuando se grita el título. Esos vienen temprano, y seguidos, pero GOOD LUCK no afloja, aunque se vuelve más abstracto, llevándonos a través del R&B de chatarra y culminando con el intenso "Pluto Baby" que se funde con lo etéreo, rompiendo "Wake Up". -- aunque buena suerte durmiendo con este atractivo y original trabajo.

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Fever Ray - Románticos radicalesSilenciar

"No venimos con un manual", canta Karin Dreijer en "Looking for a Ghost" de su tercer álbum como Fever Ray, con una voz mutada por efectos que superan la percusión, como una muñeca mecánica de cuerda. El amor es extraño y se necesita mucho trabajo para mantenerlo en llamas, un tema que atraviesa la totalidad de Radical Romantics. Si el Plunge de 2017 fue Dreijer, recién salido y abrazando las maravillas del corazón, entonces este es el trabajo duro de mantenerlo en marcha después de que las pasiones se hayan enfriado y las realidades de la vida vuelvan a filtrarse. La realidad es una palabra cargada en el mundo de Fever Ray, lleno de voces distorsionadas y personajes inquietantes (aún más en sus videos), pero a pesar de todos los ruidos espeluznantes, Radical Romantics presenta muchas emociones humanas reconocibles en su núcleo. Amor, ira y todo lo demás, todo filtrado a través del estilo distintivo de Dreijer.

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Fuegos artificiales - Higher Lonely PowerFuneral Plant Collective

Por lo que nadie podía decir, Fireworks hizo una pausa al final de su gira de 2015, pero a puerta cerrada, estaban trabajando en su cuarto álbum, sin obstáculos por las demandas de la gira o las expectativas de los sellos discográficos y los ciclos estándar de álbumes. En 2019, resurgieron con el sencillo "Demitasse", una ambiciosa canción de art rock que mostró un lado muy diferente de Fireworks que el que se muestra en los discos de pop punk indie amigables lanzados durante su ejecución inicial. Junto con el lanzamiento de la canción, anunciaron su nuevo álbum Higher Lonely Power, pero COVID llegó unos meses después y Fireworks una vez más se retiró del ojo público. En el otoño de 2022, The Wonder Years llevó a Fireworks de gira, marcando los primeros shows de la banda en siete años, y el día de Año Nuevo de 2023, finalmente desataron Higher Lonely Power, autoeditándolo en su propio sello Funeral Plant Collective con Menos de una advertencia de 12 horas y sin sencillos de prelanzamiento.

"Demitasse" no está en el álbum, pero marcó el tono. Higher Lonely Power es un viaje de arte rock a través de arreglos de cuerdas, breakbeats, dream pop infundido con sintetizadores y post-hardcore cáustico. Recuerda cualquier cosa, desde Age of Adz de Sufjan Stevens hasta Kid A de Radiohead, Neon Golden de The Notwist y los momentos más oscuros y artísticos de Arcade Fire, pero aún tiene la energía de una banda que proviene del mundo emo/punk y todavía suena como fuegos artificiales. (Y para una comparación del mundo más emo/punk, me hace pensar en Nearer My God de Foxing). Mientras Fireworks se abre paso a través de estos impresionantes arreglos que cambian de forma, el vocalista Dave Mackinder lidia con el trauma cristiano, la muerte, las perspectivas cambiantes de los artistas que son nueve años mayores que la última vez que supimos de ellos, y los días en que los miembros de Fireworks se ofrecieron como voluntarios para que Pfizer probara nuevos medicamentos en ellos para poder ganar algo de dinero extra ("Me desperté con miedo de morir cuando solíamos pensar que era divertido"). Es un álbum que debe escucharse de principio a fin, un álbum en el que ninguna pista individual podría brindarle el alcance completo de todo lo que Fireworks tiene para ofrecer aquí. (Aunque si tuviera que elegir una canción para al menos darte una idea de la creatividad ilimitada del álbum, probablemente diría "Jerking Off the Sky"). los últimos nueve años acertando en cada pequeño detalle, y la espera valió la pena. Higher Lonely Power es tan notable que los clásicos de culto como el Evangelio de 2011 parecen calentamientos en comparación.

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Jodido - Fusión de un día

"Después de retirarse al mundo de fantasía con Year of the Horse, este disco es como si estuviéramos regresando a la vida real", dice el vocalista de Fucked Up, Damian Abraham, sobre el sexto álbum de la banda, One Day. Se titula One Day porque el guitarrista Mike Haliechuk escribió y grabó los esqueletos de estas canciones en un solo día, y luego pasó las grabaciones de un miembro de la banda a otro, quienes también tuvieron solo un día para escribir y grabar sus partes, y ese sentido de urgencia ayudó a hacer de este uno de los álbumes más cortos, con los pies en la tierra y más tradicionalmente punk de Fucked Up. Tiene esa fórmula característica de Fucked Up de mezclar el punk clásico y el hardcore con cualquier otra cosa que se les ocurra, y establecer el ladrido distintivo de Damian contra coros melódicos y altísimos, con algunos desvíos como el ritmo lento "Falling Right Under" y el Mike Haliechuk-sung power pop de "Cicada". Es un disco que a menudo encuentra a Fucked Up en su forma más concisa y pegadiza; Lo llamaría un regreso a la forma, pero en realidad, Fucked Up no tiene ningún álbum en su catálogo como este.

Para tener una idea aún mejor sobre lo que informó este álbum, le preguntamos a Damian y al baterista Jonah Falco cuáles fueron sus influencias para One Day, y ambos dieron respuestas muy detalladas, con respuestas que van desde los Adolescents hasta The Undertones y la muerte de Riley Gale. Wade Allison y Gord Downie, a varias experiencias familiares y de vida, y mucho más. Lea lo que tenían que decir aquí.

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Gel - Solo ConstantConvulse

La canción del debut de larga duración de la banda de hardcore de Nueva Jersey, Gel, que parece preparada para hacer que la mayoría de la gente hable, es la que no es una canción adecuada en absoluto. "Calling Card" es un interludio atmosférico compuesto por mensajes de voz de los fans. Uno de ellos dice "hardcore for the fucking freaks", una frase que se ha convertido en el eslogan de facto de Gel. "Desde el comienzo de Gel, nunca, por falta de un término mejor, nos relacionamos con el mundo del hardcore en general", dijo el guitarrista Anthony Webster en un artículo reciente de Stereogum. "Especialmente ahora, después de COVID, hay muchos niños nuevos y mucho rechazo contra esos niños nuevos por parte de voces en el espacio más amplio del hardcore. Y simplemente no quiero ser esa persona que los aleje. Así que supongo como, todo el asunto del hardcore para los fanáticos, lo adoptamos en 2019, y realmente se siente completamente cierto ahora".

Gel se formó en 2018, con tres miembros que habían tocado anteriormente en la banda de tendencia powerviolence Sick Shit, y gradualmente ascendieron, con una serie de demos, EP, promos y tantos shows en vivo cada vez mejores. Las cosas realmente comenzaron a despegar cuando el mundo comenzó a salir del encierro, con Gel provocando más entusiasmo que nunca por su EP Violent Closure de 2021 y su separación de 2022 con Cold Brats, y ahora Only Constant llega como la culminación de todo lo que Gel había sido. trabajando hacia. "Hardcore for the freaks" lo describe perfectamente; hay algo de psicodelia garajera, hay punk puro, hay hardcore chuggy, hay un ritmo de baile, hay una melodía a pesar de que el vocalista Sami Kaiser siempre suena como si estuviera rompiendo sus cuerdas vocales. Solo Constant suena antagonizante, pero Gel es completamente acogedor. Hay algo pequeño allí para tantos tipos diferentes de fanáticos incondicionales, y a medida que los espectáculos de Gel se hacen más grandes, hay espacio para que todos los fanáticos se reúnan en el foso.

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Gina Birch - Toco mi bajo fuertetercer hombre

"El álbum destila mis años de vida musical, política y artística con estas canciones que rompen el género", dice Gina Birch de The Raincoats sobre su primer álbum en solitario. "Es un diario personal con sonidos y letras, lleno de diversión, rabia y narración". Eso lo resume todo. Producer Youth tiene una manera de sacar lo mejor de los artistas, creando una atmósfera cómoda que les permite ser ellos mismos, y está claro que él y Birch se llevan bien. I Play My Bass Loud es fantástico, divertido, inteligente, enojado y nunca menos que entretenido: un álbum de protesta que no se olvida de bailar. Todo eso se ejemplifica en "I Will Never Wear Stilettos", que la tiene cantando, "Mis pies están extasiados en Doc Martens / Les encantan los zapatos de gamuza azul / Les encantan los zapatos de camarera polacos blancos / Nunca use Jimmy Choos" sobre un respaldo electrónico dubby. Las canciones suenan como letreros, pero se sienten más inclusivas y desafiantes que didácticas, incluso en una canción silbante de la fuerza de la naturaleza al estilo JAMC como "I Am Rage".

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Gusanos del corazón: una noción reconfortanteSpeedy Wunderground

Dirigidos por el músico y poeta Jojo Orme, los Heartworms de Londres se formaron en 2020, pero rápidamente se hicieron un nombre con su estilo elegante de post-punk decididamente oscuro e intensos espectáculos en vivo. Orme, que cita a Siouxsie & The Banshees, PJ Harvey e Interpol como influencias clave y describe su estilo como un "hada militar gótica", parece haber resuelto todo el asunto de Heartworms en su impresionante EP de debut, que fue producido por Dan Carey y lanzado a través de su sello Speedy Wunderground. Aquí hay fuertes vibraciones de revival post-punk / nu-rave, particularmente Bloc Party, que se puede sentir en la mejor canción del EP, "Retributions Of An Awful Life", un quemador disco irregular que hace sudar mientras Orme se mantiene fresco. entregando líneas elegantes como "Cuando eres joven, las decisiones no son divertidas". La producción de Carey está inspirada, ayudando a llevar a Heartworms de la claustrofobia a la pantalla ancha, según sea necesario, con Orme pasando de un susurro seco a un lamento en el cielo. Todo está hecho con tanta confianza y estilo, y con buenas melodías, que es casi como si los 2000 nunca hubieran sucedido.

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ICECOLDBISHOP - Maldición generacional Épica

El rapero de South Central LA, ICECOLDBISHOP, ha estado en ascenso durante algunos años, después de haber colaborado con gente como slowthai, Rico Nasty, Denzel Curry, Boldy James y más, y ahora finalmente lanzó su álbum debut, Generational Curse. . A lo largo del álbum, demuestra ser un rapero extremadamente carismático, que suena como un cruce entre los tres Flatbush Zombies y Kendrick Lamar en su forma más teatral, y el aire de desesperación en su voz realmente combina con el tema. La muerte trágica aparece en todo momento en Generational Curse, ya sea por adicción a las drogas o tiroteos, y ICECOLDBISHOP a menudo suena como si estuviera lidiando con el dolor en tiempo real. Como tantos grandes raperos antes que él, es un narrador nato, capaz de abrir los ojos del mundo a la pobreza, la violencia y el racismo institucional que plagan los barrios como en el que creció Bishop. Lo hace con el nivel de dominio de una persona que te mira directamente a los ojos todo el tiempo, y su oído para los ritmos, las melodías y los arreglos es tan apasionante como sus historias sombrías.

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Ice Spice - Like..?10K Projects/Capitolio

La rapera del Bronx Ice Spice y su productor RIOTUSA comenzaron a lanzar sencillos juntos en 2021, y conquistaron el mundo del rap con "Munch (Feelin' U)" de 2022. Con la entrega tranquila de Ice Spice y la capacidad de convertir una línea inteligente en un gancho clásico instantáneo, "Munch" le dio un nuevo giro al sonido de taladro de Nueva York que ha estado dominando la ciudad durante los últimos años, y rápidamente se convirtió en el estilo de Nueva York. canción de rap del verano. Ice Spice demostró que no fue casualidad, siguiéndolo con "Bikini Bottom" e "In Ha Mood" que repitieron con éxito la misma fórmula y se ganaron la creciente base de fans de Ice Spice tan rápido como lo había hecho "Munch". Hoy sigue esas canciones con su primer proyecto, Like..? EP, con los tres sencillos recientes y tres canciones nuevas, producido íntegramente por RIOTUSA. Mantiene su estilo característico con "Princess Diana", pero ¿Como...? también encuentra que Ice Spice comienza a coquetear con otras ideas. Ice Spice recluta a Lil Tjay para una canción que lleva el nombre del difunto Gangsta Boo y muestra el sencillo de 2002 de P. Diddy "I Need a Girl Part 2", y encuentra a Ice Spice mezclando su sonido habitual con un poco de nostalgia de la era Y2K. "Actin A Smoochie" encuentra a RIOTUSA ofreciendo una producción más lenta y atmosférica que podría encajar en un disco de Drake de principios de la década de 2010, y Ice Spice combina el estado de ánimo con algo un poco más sentimental. Con seis canciones en 13 minutos, comenzar con un EP en lugar de ir directamente a un álbum o mixtape se siente como un buen movimiento. El formato breve es perfecto para las canciones cortas y contundentes de Ice Spice, y Like..? insinúa que es capaz de hacer más de lo que ya nos había mostrado sin alejarse demasiado de su fórmula ya ganadora. Tengo mucha curiosidad por saber qué hace cuando llega el momento de un largometraje, pero por ahora, ¿como...? se siente como una introducción ordenada y esbelta a un rapero que claramente tiene algo que decir.

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JPEGMAFIA & Danny Brown - Asustando a las azadasPEGGY/AWAL

Danny Brown y JPEGMAFIA tienen la reputación de hacer música rap errática y ruidosa, y sus dos colaboraciones en el álbum de Danny de 2019, uknowhatimsayin¿, fueron aspectos destacados, por lo que la idea de un álbum colaborativo completo de estos dos sonaba perfecta. Y es tan perfecto en la ejecución como en el papel. Producido por JPEGMAFIA, el álbum abarca desde hiperpop hasta glitch, pasando por muestras de soul invertidas y más, y Danny y Peggy tienen una energía ilimitada mientras rebotan entre sí con estos ritmos a todo volumen. La única aparición especial del álbum proviene de uno de los raperos más nuevos y emocionantes, redveil, quien ofrece "Kingdom Hearts Key" con su suave coda.

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Poder Judicial - Carne + Sangre Actividades de ataúd cerrado

Han pasado más de cuatro años desde que los metalpunks de Texas, Judiciary, lanzaron su gran LP debut Surface Noise, y han subido de nivel severamente en su segundo LP Flesh + Blood. Al igual que Surface Noise, el nuevo álbum logra un equilibrio entre el hardcore metálico moderno y el thrash clásico de los 80, y Flesh + Blood hace que la línea sea aún más borrosa y golpea aún más fuerte. Lo lograron con el equipo de ensueño de música pesada de Arthur Rizk (productor/ingeniero) y Will Putney (mezcla/masterización), con el primero de los cuales trabajaron después de que el difunto vocalista de Power Trip, Riley Gale, los instara a hacerlo, y eso es una pareja perfecta para lo que Judiciary buscaba en este LP. Arthur es el tipo de referencia del thrash moderno y Will es el del metalcore moderno; Flesh + Blood existe justo en el medio. Al igual que la producción, la maestría musical y la composición también son más grandes y audaces. Los guitarristas Jimmy LaDue e Israel Garza llenan este disco con riffs que dejarían boquiabiertos a los Big Four, y el ladrido hardcore de Jake Collinson es más feroz y melodioso que en el último LP. Está elaborado con buen gusto y es extremadamente duro, exactamente lo que esperas de una banda como esta.

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Kelela - Cuervo Warp

Kelela se toma su tiempo. Desde que cautivó al mundo a principios de la década de 2010 como vocalista invitada en pistas electrónicas de la talla de Teengirl Fantasy, Kingdom y Daedelus, solo ha lanzado un mixtape, un EP y un álbum de larga duración, junto con algunos independientes. sencillos y remixes. Pero cada vez que cae, la espera siempre vale la pena, y Raven, su segundo álbum y su primera música nueva en casi seis años, no es una excepción. El álbum fue escrito, arreglado y producido por Kelela, junto con la coproductora ejecutiva Asmara de Nguzunguzu, con la mayor parte de la producción proveniente de LSDXOXO, el dúo ambiental OCA y Bambii, un equipo muy unido que ayudó a Kelela a hacer exactamente el álbum que quería hacer, sin preocuparse por las expectativas de fuerzas externas como el capitalismo y la cultura de la supremacía blanca. Kelela llama al álbum "una afirmación de la perspectiva de la mujer negra en medio del borrado sistémico y el sonido de nuestra vulnerabilidad convertida en poder", y lo logra con una notable fusión de R&B, música dance y música ambiental. Se siente como una progresión natural de su trabajo anterior, y se siente tan atrevido y futurista hoy como lo hizo su mixtape debut Cut 4 Me hace diez años. En Raven, Kelela no parece preocupada por escribir otro "LMK", el sencillo principal amigable con el pop de su álbum anterior Take Me Apart. Eso no quiere decir que Raven no tenga sus éxitos, pero es un álbum aún más íntimo y atmosférico que su predecesor, e incluso sus canciones más pegadizas y optimistas exploran el lado experimental de Kelela. La producción es amplia e innovadora, y Kelela ha mejorado mucho más de lo que ya lo hacía al entretejer su altísima voz dentro y fuera del ritmo. Kelela se benefició de haber llegado en un momento en que la encrucijada entre el indie, la música electrónica y el R&B era un lugar de moda, pero Raven afirma que Kelela no es un saltador de tendencias. Realmente no suena como ninguno de los grandes discos de R&B de los últimos tiempos, y con música tan creativa y refrescante, Kelela está mejor así.

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Lámpara de Murmuur - Tormenta de sangre de SaturnoNot Kvlt/Noche de la luna pálida/Argento

Lamp of Murmuur ya es un nombre familiar en los hogares que hablan de black metal lo-fi underground, pero la banda, liderada por el enigmático multiinstrumentista M., parece estar saliendo de su caparazón últimamente. Después de publicar varias grabaciones en el transcurso de tres años (incluida una cinta muy limitada de su primera demostración que ahora cuesta 70 dólares en Discogs), Lamp of Murmuur finalmente debutó con un show en vivo de banda completa en 2022, incluido un Roadburn masivo. apariencia, y ahora han lanzado su nuevo álbum Saturnian Bloodstorm, que es su primer lanzamiento en servicios de transmisión. Es más accesible en el sentido muy literal de que puedes reproducirlo en todas partes, pero también en el sentido de que la producción es mucho más clara que el material de baja fidelidad inicial de la banda, y las canciones son notablemente más pegadizas. Incluso la carátula del álbum tiene más color y claridad que cualquier lanzamiento anterior de Lamp. "Sentí que no quería que este álbum sonara igual que los demás", dijo M. a Invisible Oranges. "Sentí que era hora de hacer una afirmación de mi propia existencia, una afirmación de mi fuerza y ​​vitalidad, para hacer un disco estimulante". M. cita álbumes como Immortal's At The Heart Of Winter y Satyricon's Volcano como influencias en el sonido más claro ("todos estos álbumes que aparecieron durante un momento extraño para el black metal, a principios de la década de 2000, cuando las grandes bandas se estaban volviendo extremadamente grandes con su sound"), y atribuye el lado melódico a la combinación del black metal con la influencia de bandas clásicas de hard rock y heavy metal como Judas Priest, Iron Maiden, Deep Purple, Dio y Black Sabbath. Lea la entrevista completa de IO para obtener más información sobre este notable LP.

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Lana Del Rey - ¿Sabías que hay un túnel debajo de Ocean Blvd? Interscope/Polydor

Para citar a Billie Eilish, Lana Del Rey allanó el camino para todos. Su versión polarizadora de la música pop alternativa cambió la forma en que muchos artistas abordaban su música, desde gigantes ya establecidos como (reciente colaboradora de Lana) Taylor Swift hasta estrellas emergentes más recientes como Billie. Y cuanto más influyente se vuelve, más su propia música parece alejarse de las expectativas comerciales. "Con este álbum, la mayoría son mis pensamientos más íntimos", dijo Lana mientras hablaba con Billie Eilish en la misma entrevista de la revista Interview de la que proviene la cita de Billie. Lana se ha estado moviendo hacia un estilo de composición más personal desde hace algunos álbumes, y realmente se inclina hacia él con Did You Know That There's a Tunnel Under Ocean Blvd. El álbum es en gran parte silencioso y minimalista, con piano y baladas de cuerdas que preparan el escenario para un lirismo de flujo de conciencia en la gran mayoría de estas canciones. Y luego están los valores atípicos, como "Peppers" con tendencia al hip hop con Tommy Genesis, "The Grants" con tendencia al gospel y "Let the Light In", un encantador dúo folk al estilo de Laurel Canyon con el padre John Misty. El álbum termina con una repetición de la destacada "Venice Bitch" de Norman Fucking Rockwell. (También hay una pista en la que el famoso pastor Judah Smith pronuncia un sermón de cuatro minutos y medio, y no sé si voy a dejar que termine cada vez que escuche el álbum, pero su millaje puede variar). Es un álbum en el que Lana suena como si estuviera haciendo lo que le da la gana, una frase que básicamente describe varios álbumes de Lana Del Rey en este punto. En un sentido más amplio, sabes lo que obtendrás de este álbum, pero en un nivel más micro, Ocean Blvd encuentra muchas formas de sorprenderte.

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Liturgia - 93696 Thrill Jockey

Ravenna Hunt-Hendrix ha estado desafiando los límites y el purismo del black metal desde el inicio de Liturgy, e incluso con la expectativa de que el nuevo álbum doble de la banda, 93696, haga exactamente eso, este colosal nuevo proyecto aún emociona y sorprende de maneras que se sienten casi discordantes. . Fiel a su nombre, el black metal tradicional invoca literalmente visiones de oscuridad, pero Hunt-Hendrix usa trucos familiares de black metal para hacer música que suene tan brillante y tecnicolor como la carátula del álbum 93696. Junto con la formación actual de Liturgy del guitarrista Mario Miron, la bajista Tia Vincent-Clark y el baterista Leo Didkovsky, 93696 encuentra a Hunt-Hendrix trayendo arreglos de cuerdas, un coro de niños, electrónica art rock y más para impulsar la música en todo tipo de inesperados direcciones. Ella dice que su objetivo era hacer que este álbum "suene más punk y clásico que metal", y ese objetivo se refleja en las elecciones de producción y arreglos del álbum, que rara vez se sienten típicos del metal (o cualquier otro estilo de música). ). Los sencillos del álbum incluyeron una canción de 15 minutos que cambia de forma, así como una canción que presenta nada más que un canto coral a cappella sin palabras, y esas pistas tienen aún más sentido dentro del contexto de este álbum. Es un verdadero viaje de un álbum, uno que puede ser asombroso, eufórico y antagonizante, todo a la vez.

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Lucinda Chua - YIAN4AD

La artista londinense Lucinda Chua apareció tocando en el trío Felix firmado por Kranky y actuando como violonchelista de gira para FKA twigs, y realizó una gira como telonero de Slint en 2013, pero recién ahora está lanzando su álbum debut en solitario, después de los EP en solitario de 2019. y 2021, y realmente se siente como la primera vez que se presenta al mundo. "Es un poco inusual escribir un álbum debut en solitario a los treinta y tantos años", dijo en una entrevista reciente con The Forty-Five. "Ya he estado haciendo música durante más de diez años, pero lanzar este álbum ahora todavía se siente como un momento de nacimiento". El álbum se llama YIAN, que está tomado de su nombre chino Siew Yian, y la encuentra abrazando por completo su cultura y raíces asiáticas que a menudo estaban ausentes de su vida mientras crecía en Londres. Las imágenes que acompañan al álbum se inspiraron profundamente en la danza china y en las antiguas representaciones de personajes asiáticos de Hollywood, y ella reclutó a un grupo de colaboradores con antecedentes afines para ayudarla a lograr su visión. El artista pop de Singapur Yeule es uno de los pocos invitados del álbum. Lucinda autoprodujo y diseñó ella misma ocho de las diez pistas del álbum, y YIAN la encuentra explorando en gran medida el arte pop atmosférico y conmovedor, recordando a músicos como Tori Amos, Radiohead y Björk. En general, es un álbum tranquilo y de ritmo lento, pero dale la atención que merece y encontrarás ganchos adictivos y clímax explosivos entretejidos en la delicadeza de YIAN.

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MSPAINT - Post-AmericanConvulse Records

Provenientes de Hattiesburg, Mississippi, MSPAINT no son de uno de los lugares de música popular, no están respaldados por uno de los grandes sellos discográficos creadores de tendencias, y están fuera de sintonía con casi todas las tendencias que están sucediendo en la música en este momento, pero quienes se han enganchado a la banda están de acuerdo: MSPAINT es algo muy especial. "Cuando escuché 'Hardwired' por primera vez, sentí que me habían dejado entrar en un secreto, como un éxito no descubierto", dijo el vocalista de Militarie Gun, Ian Shelton, refiriéndose a la canción de apertura del EP debut homónimo de la banda en 2020. Ian desde entonces formó una relación cercana con la banda; Militarie Gun los llevó de gira y colaboró ​​con ellos, e Ian coprodujo su álbum debut Post-American junto a Taylor Young, y canta un verso en la destacada canción "Delete It". El álbum tiene otro vocalista invitado en "Decapitated Reality", Pierce Jordan de Soul Glo.

Como lo demuestran sus colaboradores, compañeros de gira y sello discográfico, MSPAINT ha sido adoptado por la escena hardcore, pero ellos mismos no son una banda hardcore. De hecho, la banda sostiene que las únicas discusiones preliminares que tuvieron sobre cómo sonaría MSPAINT es que no usarían guitarras. No es que la narrativa de "la banda de rock se deshaga de las guitarras" sea algo nuevo, pero MSPAINT lo hace de una manera diferente a casi cualquier otra banda que se me ocurra. Rechazando el canal de rock-goes-synth que tan a menudo resulta en algo limpio y amigable con la radio, el synth-punk de MSPAINT se siente construido para fiestas de almacén sucias, sudorosas y mal iluminadas. Su sección rítmica de batería y bajo es arrasadora, sus sintetizadores están deformados y distorsionados, y su carismático vocalista, que solo se hace llamar Deedee, lidera la banda con gritos apenas melódicos que son mucho más pegadizos de lo que jamás sonarán. papel. Las canciones son tan irregulares y agresivas como divertidas y contagiosas; es música pop para marginados y fanáticos, y MSPAINT realmente no suena como ninguna de las otras bandas que se ajustan a esa descripción.

Para obtener más información sobre este álbum, lea el desglose pista por pista de la banda.

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Modelo/Actriz - DogsbodyVerdaderos sonidos de pantera

La nostalgia tiende a funcionar en ciclos de 20 años, lo que significa que la mitad de los años 2000 está de vuelta y, como alguien que estaba en Nueva York en ese momento y tiene buenos recuerdos de esos días, estoy aquí para eso. Al menos algo de eso, como mi alquiler en ese entonces, y mi audiencia. Model/Actriz, que en realidad han sido parte de la franja de Nueva York durante la mayor parte de una década, parece que podrían haberse defendido en 2003, con una feroz variedad de technopunk artístico que suena como si se hubiera forjado en un abandonado. fábrica de acero oxicorte. Los tambores disparan como martillos neumáticos, una ametralladora de bombos, las guitarras cortan rebanadas de metal como un cuchillo caliente a través de la mantequilla, y el cantante Cole Haden gime líneas como "¡Recuerdo espinas destrozando mis palmas!" Dogsbody, su álbum debut, se alimenta de una energía nerviosa e implacable que rara vez se detiene durante su duración intensa, oscura y mortalmente seria de 38 minutos. El único respiro está bastante más cerca de "Sun In", que se te podría perdonar por pensar que el algoritmo saltó a otro artista después de que terminó el álbum. Dogsbody no es exactamente "divertido", pero es catártico y, al igual que los grupos en los que se siente inspirado (Liars, Lightning Bolt, Black Dice, !!!), probablemente se experimente mejor en vivo y en voz alta en un club lleno de sudor con luces estroboscópicas y maquinas de humo En lugar de eso, escucha Model/Actriz tan alto como puedas soportar.

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The Murder Capital - La recuperación de GigiTemporadas humanas

La banda de Dublín The Murder Capital se ha relajado considerablemente desde el lanzamiento de su debut en 2019, When I Had Fears. Ese álbum traficaba con un indie rock adusto no muy alejado de Interpol. Los primeros editores y otros grupos que fueron comparados mucho con Joy Division. Aunque original, tenía buenas canciones tocadas con convicción, y el líder James McGovern tenía un magnetismo que se podía sentir incluso a través de los auriculares más baratos. Cuatro años más tarde, la banda está de regreso, y aunque sería un error decir que parecen más cómodos en su piel, Gigi's Recovery se siente más como el producto de una banda que ha descubierto quiénes son. Las canciones y las actuaciones tienen más matices y muestran una amplia gama de emociones y colores, no solo negro y gris. La oscilante "Good Things" y el himno "Return My Head" rayan en la alegría, y el último suena como un gran sencillo perdido de la época cumbre del blog rock. De hecho, Gigi's Recovery suena un poco como el mejor disco de guitarra independiente de mediados de los 2000 que jamás hayas escuchado, con canción memorable tras canción memorable, todas producidas por John Congleton con excelente guitarra variada de Damien Tuit y Cathal Roper. McGovern también se ha convertido en un mejor cantante, tambaleándose un poco sin perder nada de la pasión. Sin embargo, esto no es nostalgia por ninguna época; Gigi's Recovery es el sonido de cinco hombres que hacen música vital con guitarras en 2023.

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Obituario - Morir de todoRecaída

Dying of Everything, el undécimo álbum de Obituary, llega cinco años después del último, y en el tiempo transcurrido desde entonces, nos hemos encontrado en medio de un serio renacimiento del death metal, impulsado por una emocionante cosecha de bandas que no existirían sin Obituario. Obituary y sus compañeros igualmente influyentes de Florida como Death y Morbid Angel ayudaron a ser pioneros en el death metal llevando el thrash metal a su conclusión más malvada y haciéndolo aún más malvado a partir de ahí. Y Obituary nunca abandonó sus influencias thrash a medida que avanzaban, haciendo discos cuya influencia resuena en una amplia gama de bandas de death metal, thrash metal y hardcore metálico de la actualidad. Tampoco han dejado de escribir grandes discos, y eso incluye Dying of Everything, un álbum que llega 34 años después del debut de Obituary y todavía tiene el mismo hambre y urgencia que la sangre nueva del género. Obituary todavía tiene a los miembros originales John Tardy (voz), Donald Tardy (batería) y Trevor Peres (guitarra rítmica), y durante la última década, su formación se ha completado con el pionero del death metal de Florida, Terry Butler (Death, Massacre, Six Feet Under) en el bajo y el guitarrista principal Kenny Andrews (quien anteriormente tocó junto a Donald Tardy en la banda de Andrew WK y estuvo en los veteranos de thrash de Florida Azrael y Pain Principle antes de eso), dos personas que no son sorprendentemente muy buenas para ayudar a Obituary a mantener su sonido clásico vivo. Dying of Everything no se aleja demasiado de los primeros discos de Obituary, pero tampoco suena anticuado ni redundante. Obituary hizo algunos de los mejores death metal de la década de 1980 y ellos hacen algunos de los mejores death metal de la actualidad, punto. Que todas las bandas sean tan relevantes sin esfuerzo más de 30 años en sus carreras.

Para más información sobre este álbum, lea la nueva entrevista de IO con Donald Tardy.

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Paramore - This Is WhyAtlantic

Hayley Williams ha dicho en múltiples ocasiones que Paramore nunca tuvo la intención de convertirse simplemente en una banda de pop punk/emo. Tuvieron muchas otras influencias desde el principio, pero esa es la escena en la que se agruparon en ese momento, y probablemente debido a varios factores, es la dirección en la que fueron y es por lo que mucha gente aún los conoce mejor. Pero incluso después de que el interés generalizado en el pop punk y el emo se extinguiera, Paramore resistió una industria musical cambiante, múltiples cambios de formación, proyectos paralelos y varios cambios estilísticos. Su álbum de 2017, After Laughter, fue un álbum agudo e inspirado en la nueva ola, casi sin toques de pop punk, y fue aclamado como un regreso (no es que Paramore realmente haya ido a ninguna parte), afirmando a Paramore como una banda que era tan relevantes en el panorama musical de mediados/finales de la década de 2010 como lo fueron a mediados/finales de la década de 2000. Eso fue hace ahora seis años, y desde entonces Hayley lanzó dos álbumes en solitario que se apartaron aún más de las raíces de Paramore, pero ahora Paramore está de vuelta y suena como la banda que realmente siempre quiso ser.

La salida bien ejecutada realizada en After Laughter informa claramente la dirección de This Is Why, pero también traen de vuelta las guitarras ruidosas y la angustia burlona del clásico Paramore, y también van en un puñado de nuevas direcciones. This Is Why es el sonido de Paramore reconectando con su antiguo yo, pero aún abrazando en lo que se han convertido en los 18 años desde su LP debut. Se siente como la culminación de todo lo que han hecho, así como una evolución. A veces, también se siente como Paramore volviendo al principio y comenzando de nuevo; Hayley ha hablado varias veces sobre la influencia que Bloc Party, a quien Paramore llevará de gira este año, ha tenido en este álbum, y su dance-punk nervioso está en todo este disco. Canciones como "The News", "Running Out of Time" y "C'est Comme Ca" sugieren una versión alternativa de mediados de la década de 2000, donde Paramore siguió los pasos de "Banquet" en lugar de sus compañeros de sello de Fueled by Ramen y compañeros de Warped. Tourers y Paramore logran esto en 2023 sin sonar fuera de sintonía, anticuado o como si estuvieran suspirando por una era pasada de música de guitarra.

Lea nuestra reseña completa.

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Parannoul - Después del MagicTopshelf

"Este álbum no es lo que esperabas, sino lo que siempre quise". Así es como el misterioso músico surcoreano Parannoul presentó After the Magic, que sigue a otros dos álbumes de larga duración y algunos EP y splits (ambos con el también artista surcoreano Asian Glow, y uno también un split a tres bandas con el brasileño sonhos tomam conta ), así como lanzamientos bajo otros apodos como laststar y Mydreamfever. Esos primeros lanzamientos ayudaron a construir Parannoul una base de fans de culto, y es una que existe casi en su totalidad en Internet; Algunas de las animadoras más ruidosas de Parannoul provienen de todo el mundo, y todo esto comenzó a suceder durante el confinamiento por el COVID, antes de que nadie hubiera visto a Parannoul en vivo. (Por lo que puedo decir, Parannoul rara vez se ha presentado, y nunca fuera de Corea del Sur). Los ingredientes que componen After the Magic son similares a los de los lanzamientos anteriores de Parannoul, pero este disco se siente más grande, más limpio y menos baja fidelidad Encaja en algún lugar entre el electro-shoegaze de M83 de la era de los aughts, el glitch pop de The Notwist y el pos-rock de orientación vocal de The Appleseed Cast, con arreglos revoloteantes que no se sentirían fuera de lugar en un álbum de Sufjan Stevens. En otras palabras, esta es una música profundamente hermosa y llena de sentimiento.

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Sanguisugabogg - Éxtasis homicidaCentury Media

"Todo se volvió más legítimo. La maestría musical, la producción, las letras, que ahondan mucho más en el horror y el horror corporal, están más pensadas. No es solo un montón de chistes sobre penes y pedos", dice el vocalista Devin Swank sobre el nuevo álbum de su banda de death metal de Ohio, Sanguisugabogg, cuyo último álbum incluía una canción llamada "Dick Filet". No es que sea fácil distinguir las letras de una banda brutal de death metal de todos modos, pero en general se puede decir que Sanguisugabogg parece estar tomando las cosas un poco más en serio en estos días, y yo diría que Homicidal Ecstasy está a la altura de las expectativas de esta banda ( que, en lo que respecta a las bandas de death metal, ha sido bastante ruidoso desde el principio) más que su material anterior. Es más apretado, más pesado y más intenso que el debut, pero aún con toda la sangre espantosa que esperábamos de estos muchachos.

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Ulrika Spacek - Trauma compactoAmor duro

En el año 2023, ¿las guitarras son aburridas? Por supuesto que no, pero por el bien de mi propio argumento tonto, diré que depende de en manos de quién estén. (Obviamente, también es cierto para cualquier instrumento, incluso la flauta de pan). En las manos de la banda londinense Ulrika Spacek, las guitarras se precipitan y se elevan, se escabullen y se arrastran, acarician y rugen. El líder Rhys Edwards y los compañeros de banda Adam Beach y Joseph Stone están cortados por la misma tijera que Doug Martsch, Bradford Cox, Thurston Moore/Lee Ranaldo y el Radiohead de su elección, trabajando dentro de los límites del rock y el pop, pero aún encontrando nuevas cosas que hacer con su instrumento y emocionados por las posibilidades. Compact Trauma, el primer álbum de la banda en seis años, juega con la promesa de su EP de escucha sugerida de 2018 y es un disco de guitarra glorioso donde incluso las canciones de dos minutos se sienten épicas, cargadas de riffs ingeniosos y filigranas inteligentes. El álbum es en gran medida un esfuerzo de la banda, por supuesto, con el bajista Syd Kemp y el baterista Callum Brown, todos contribuyendo al maravilloso y frecuentemente emocionante estruendo. El álbum abre con su mejor canción, la arrogante "The Sheer Drop", que oscila entre la sensualidad y la frescura hasta el ruido salvaje y viceversa, todo con grandes ganchos y un estribillo que te clava en la cabeza. Compact Trauma mantiene sus niveles de calidad en las nueve canciones restantes, llevándonos a través del pop de jazz ("Lounge Angst"), el romance oscuro ("If The Wheels Are Coming Off, The Wheels Are Coming Off") y más épicas ("Stuck at the Door") antes de salir con la hermosa y onírica canción principal. guitarras? Aquí hay 10 razones para estar emocionado.

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Ulthar - Anthronomicon y Helionomicon20 Buck Spin

Ulthar, el trío de metal del Área de la Bahía con Shelby Lermo (Vastum), Steve Peacock (Mastery, Spirit Possession) y Justin Ennis (Vale), siguen a Providence de 2020 con su tercer y cuarto álbum a la vez, Anthronomicon y Helionomicon. El primero es un álbum de ocho canciones estructurado "tradicionalmente", mientras que el segundo se divide en dos pistas de 20 minutos, también llamadas "Helionomicon" y "Anthronomicon". Si esto último suena más desalentador para consumir, no lo es; tiene tantos giros y vueltas como el álbum de ocho canciones, solo que menos saltos de pista. Grabado en Baltimore por Kevin Bernsten (Full of Hell, Pianos Become the Teeth, etc.), ambos álbumes suenan fantásticos, y ambos encuentran a Ulthar borrando por completo las líneas entre el black y el death metal, y coqueteando con cosas como el ruido ambiental y la guitarra limpia y bluesera. el camino. En un panorama de metal extremo que a menudo encuentra bandas que se dividen en subgéneros muy específicos, es refrescante escuchar a Ulthar simplemente haciendo lo que quieren, independientemente de los límites establecidos, y sonando absolutamente furiosos en el proceso.

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Yves Tumor - Alabado sea un señor que mastica pero que no consume; (O simplemente, caliente entre mundos) Warp

Sean Bowie ha pasado la mayor parte de su carrera como Yves Tumor, transformándose de experimentalista en audaz y glamuroso rockero artístico, y en este punto, la transformación está completa. Continuando donde lo dejó el exitoso EP The Asymptotical World de 2021, Praise A Lord Who Chews But Which Does Not Consume; (O Simply, Hot Between Worlds) realmente se apoya en el material ruidoso y lleno de gancho que es perfecto para el escenario de Coachella en el que Yves estará honrando este abril. Pero como siempre, Yves aborda la música rock y pop en sus propios términos; volverse más accesible no significa abandonar sus tendencias extrañas o suavizar el golpe de su voz aguda y distinta. Como siempre, Yves Tumor es un experto en mezclar sonidos familiares en formas desconocidas; Praise A Lord recuerda una variedad de diferentes estilos de música, incluidos, entre otros, new wave, psicodelia, post-punk, grunge, funk, chillwave y krautrock, y Yves a menudo toca dos o más de ellos por canción. Con la producción de Noah Goldstein (Frank Ocean, Kanye, Bon Iver, etc.), la mezcla de Alan Moulder (My Bloody Valentine, Ride, Nine Inch Nails, etc.) y un elenco de talentosos colaboradores (incluido el destacado vocalista invitado Kidä en "Lovely Sewer"), Praise A Lord suena fantástico, con un brillo atemporal que es perfecto para la mezcla de sonidos que Yves ha provocado.

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Zulu - Un nuevo mañanaFlatspot

"¿Solo debo compartir mi dolor?" Es una pregunta que Zulu hace más de una vez en su álbum debut A New Tomorrow, refiriéndose a la forma en que se espera que los artistas negros hagan arte que refleje su trauma, en lugar de celebrar su cultura, comunidad y ellos mismos. Partes de A New Tomorrow están marcadas por el dolor, pero es mucho más profundo, más vasto y más festivo que eso. Habiendo comenzado como el proyecto en solitario de powerviolence con muestras de soul vintage de la baterista de Dare/The Bots, Anaiah Lei, Zulu ahora es una banda completa, y su sonido multigénero ahora proviene de más que solo muestras. Anaiah a menudo divide las tareas de gritos con la baterista Christine Cadette, y el guitarrista Dez Yusuf se hace cargo de la voz principal de la canción de jazz-rap del álbum "We're More Than This". Pierce Jordan de Soul Glo, Obioma Ugonna de Playytime y Paris Roberts de Truth Cult también prestan sus voces. Todavía emplean muestras de soul (y reggae y afrobeat), pero también ofrecen sus propios instrumentales de soul psicodélico y jazz. Y han llevado su hardcore desgarrador mucho más allá de la powerviolence, a menudo aventurándose en un territorio tan orientado al ritmo y bailable que encajaba perfectamente cuando Zulu recreó un video de A Tribe Called Quest para una de las canciones del álbum. A New Tomorrow es el nombre perfecto para este álbum; Zulu suena como el futuro.

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